《解密》摄影指导曹郁：我希望整部电影似乎都像一个梦

“比如说，吴彦祖第一次去接小金珍的时候，他拿了一个台灯到那墙上看，这都是你写的东西吗？那场戏，真的就是只用一个台灯拍了，虽然我们用IMAX摄影机，但我们真的就只用了一个台灯，因为它特别真实。”

“比如梦境的外景，咱就说那个红色海滩，特别有效果的那种，我们当然为了做这个阳光感，要特别真实的阳光感，要打满整个场景。在一个摄影棚里的话，其实以前是很难做到的，所以这次我们用的是七十五台特别强功率的LED的灯，把它架在了一起，变成一个像灯阵似的东西，然后打出来的阳光。所以那个感觉就你觉得特别真实。当然你知道这是一种梦境，因为它的元素是很奇怪的，但是它的光线是很真实的，所以它整体来说产生一种感觉，就是你觉得它很真实，同时我们又会用一些办法，让它觉得不那么真实。”

作为一部国内乃至全球都数量不多的全程采用IMAX摄影机拍摄的电影，用曹郁的话来说，《解密》体现了国内电影的顶级制作水准。而首次与陈思诚导演合作，曹郁也对导演“丰富的情感储备”非常满意，两个人在现场做到了互相激发。

“所以你就觉得这个电影，它虽然技术上很精密，但它还是挺灵动，它不是很死板，一看就是每个人都特较劲，特别痛苦地要顶上那个感觉拍出来的。它好像是很自然地流露出来的。”

Mtime：作为摄影师，《解密》这个项目吸引你的元素是什么？

曹郁：这戏我觉得挺值得拍的，它很特殊，因为它是跟梦有关系，这是一方面。另外一方面，它写了一个，他是一个天才嘛，然后个体跟集体的关系，个体跟国家的关系，这是一个非常非常难得的题材，特别是它用梦来表现。

那对于摄影来说，我觉得很挑战，因为它是一个，怎么说呢，正常情况下，它是个现实主义题材电影，但是它用了这种梦境的，跟弗洛伊德有关系的这种东西来解释的话，它对摄影的风格要求其实是很高的。你不能是一个很写实的电影，然后中间加进去十个，比如说带有梦的性质的短片，剪一块就行了。它必须是一个整体性的东西，摄影怎么平衡这种整体性，其实这种我觉得很刺激，很挑战。

Mtime：摄影方面做了哪些工作，让电影中的现实和梦境区分开来？

曹郁：我希望整个电影是一个，就你看完以后，你觉得整个电影似乎都是一个梦，就让人有一种感觉，所以我把我的摄影的战略也好，或者什么也好，我把它定义成亦真亦幻。你不是截然不同地说，马上就是，这个就是现实部分，那个就是梦境的部分，它会有一段过渡，你会觉得这似乎是真的还是假的，然后才知道，那肯定是在做梦。

所以其实首先我要做到，所有的光，因为摄影其实最重要就是光线，你所有的光必须是真实的，那么按我们的那种话说，就专业的术语说，就叫光源打光法，比如像我们的现实部分，其实很多都是非常非常真实的光源。比如说，吴彦祖第一次去接小金珍的时候，他拿了一个台灯，到那墙上看，这都是你写的东西吗？

那场戏，真的就是只用一个台灯拍了，虽然我们用IMAX摄影机，但我们真的就只用了一个台灯，因为它特别真实。当然了，还是小心地处理了，所以它还是既真实又美的。包括我们在里面有很多场景，其实都是用各种道具灯拍的，比如金珍屋子里的戏，还有很多就是台灯，包括他有一个小落地灯，真的是用这些灯拍的。

然后外景，比如梦境的外景，咱就说那个红色海滩，特别有效果的那种，我们当然为了做这个阳光感，要特别真实的阳光感，要打满整个场景。在一个摄影棚里的话，其实以前是很难做到的，所以这次我们用的是七十五台，特别强功率的LED的灯，把它架在了一起，变成一个像灯阵似的东西，然后打出来的阳光。

所以那个感觉就你觉得特别真实。当然你知道这是一种梦境，因为它的元素是很奇怪的，但是它的光线是很真实的，所以它整体来说产生一种感觉，就是你觉得它很真实，同时我们又会用一些办法，让它觉得不那么真实。

除了剧作表示的内容以外，比如嬉皮士拿枪去追的戏，这肯定是不真实，但在视角上，比如说我们用的这个DNA镜头，这个镜头名字很怪叫DNA，它实际上是阿莱公司把六十年代，就是一九六零年代到八零年代很多老镜头，重新把镜片留下来，改装完了以后，形成了一个镜头产品。

它这个镜头就会有特别好的炫光的感觉，很浪漫的感觉，它就不是正常的，因为正常的摄影机镜头是计算机控制下来，工厂生产出来的，它就一模一样的，很标准，测指标也很正常，而我们用的这些DNA镜头，都是手工制作的，它分散到全世界各个公司去租赁，它只租，它并不卖。

因为它很少，所以我们是从全世界各个公司找回来，然后拼出来了十二支镜头，组成了这么一个镜头组，所以你会看到它有很多东西，有很浪漫的成分在里边。

我们有个镜头是希伊斯，就是他的老师，跟他一起，俩人在讨论，然后从那个台阶上，这样走下来，然后我们镜头迎着他冲上去，是一个夕阳的时候，你会看到那个炫光特别浪漫，那种浪漫就不是CG能够做的出来的。也不是正常的镜头，标准的工业化镜头能够拍出来。只有手工镜头，才能拍出那种浪漫的炫光感。

包括还有一段，他跟小梅戏里边的约会，然后他会说，我在梦里边会进行思考，甚至我有时候，也分不清楚梦还是现实。这个时候其实摄影机是知道这个镜头可以进光，炫光很浪漫，所以专门找那个阳光，从树的树叶间的空隙打下那个地方，让摄影机经过那，然后跟演员都调好位置就到那块，说这两句台词。

所以在那一瞬间，有一个特别强烈的炫光，很浪漫的光，整个弥漫在画面里边，等他过了这个光以后，他才会说别的台词，像这种点很多，它会造成一种，真实里边也有梦境的感觉，然后梦境又很真实，因为它的光线是很合理的。所以这两个合在一起，最后产生了，就是我说的那种，亦真亦幻。

Mtime：你的摄影作品经常会借鉴绘画的技法，《解密》的创作是否借鉴了一些绘画作品？

曹郁：其实我们有两个地方是绘画借鉴的比较多的，一个是红色沙滩，因为最早我们做红色沙滩的时候，在概念设计里面，这个天空是有云的，因为觉得是不是这样更真实一点。

所以我们试了很多种方式，最后发现，在灯光已经做得很真实的情况下，好像那个感觉就上不去了，就顶不上去，那个效果。最后我说咱们可以参考一下达利的画，其实像他们的超现实主义，他这个天空和地面，关系非常简单的，他只有两层，所以我们后来是把天空中的云，全部都给去掉了，你现在看到就是一个红色沙滩，和一个蓝色的天空，然后还有生物和这个人，非常简单。

我们还有一场戏是在一个茅草房里边，有一个外国女孩趴在草垛子上，怎么处理天空，怎么处理这个草，到底真实到什么程度，或者说它复杂到什么程度，什么样的云，云造成了地面有没有影子。最后我跟CG的建议就是，你还是可以参考一下梵高的画。

他们一直处理不好那个天空的蓝色，到底什么样的蓝，有时候太真实了，还加着那种大气的那种脏的感觉，到底怎么处理。然后我说，你还是可以参考点梵高的画，梵高画上天空那种暗蓝色，再加上那个草这种金黄色，其实是很像梵高风格的，既然梦境，你就要把它形式化突出出来。这两个点是最明显的，集中使用了绘画作为参考的两个例子。

Mtime：《解密》室内场景很多，相比你的上一部作品《脐带》大量采用自然光的做法，《解密》的布光是不是精密很多？难度也更高一些？

曹郁：我们的室内戏实际上是两个部分，一个部分就是金珍的宿舍，这个宿舍是实景拍摄的。他以前小时候，刚上大学时候，在小黎黎家，就是吴彦祖演的那个人，那个时代，实景拍了有一部分，然后在摄影棚里拍，拍了一部分。

但整体来说，我觉得衔接得挺好，这个戏要求的度在于，在正常戏份里边，还是要做到特别真实，这个难度其实蛮高的，尤其我们有一部分景是在真实的景里，是有实景拍摄的。所以这次其实在灯光上，用了很多的心思，让它觉得很自然，但是又造型感特别强。

比如像有一个镜头，金珍从他背后，这样摄影机转过来，他慢慢到阳光里，然后这样看着他，很迷茫，像我们那个预告片里也用了这个镜头，那个阳光就非常准确，而且质感非常准确，角度也非常准确地照射在一块，这个难度其实是蛮高的。

它比《脐带》肯定控制的精密度要高多了，到底需要什么样的气氛，到底需要什么样的质感，包括我们最后那场戏，他死在小梅的怀里那场戏。那场戏是在实景里拍的，但那天没有太阳，那天是大阴天，所以实际上不管他正面的镜头，侧面的还是背后拉出来，那个就是拿灯光打出来的，当玻璃里面有反光的时候，不是慢慢推向他脸吗，玻璃里有一个很灿烂的景，那一层是CG做上去的，但整体你会觉得特别自然，因为它前期的灯光，打得感觉很准确，这个确实是非常高精度的控制。

而且我们为了这个戏，刚才说了在红色海滩有个灯，作为一个强烈的光源，普通的屋子可能不需要那么强烈，但是像我们有三十六，还有二十四这样的组合，用LED组合成这种方式来拍摄。

不仅在国内，在国际上都是很少见，在国内应该是唯一的，就第一个，在国际上都很少见，就用这种方式，用LED组合在一起拍摄，用传统的灯是有。

另外就是在实景里面，其实还有一点特别难平衡，就是说我们要真实对吧，要特别美，所以在这里边，我们用大量道具灯来拍，所以我们的每个灯，好几百个，加上路灯，每个灯都被改装过。

除了要拍到灯泡的特写以外，基本也很少，就那么一两个镜头，剩下的灯其实里面装的都不是民用的灯泡，都是电影用的灯泡。而且他们都被接在数字调光台上，特别精密的，可以控制亮度，可以控制颜色，可以控制频闪的。有时候我们会让灯微微有点闪烁，非常非常复杂，极为精密。某种程度来说，它也可以说有一点点像《脐带》，似乎都很自然，但其实它是非常精细的一个自然。

你说的确实是，这个难度是很高的，但观众不一定能感觉到你的难度很高，他只会觉得还挺顺畅的，挺美的，也挺真实的，但其实这个技术难度要求非常非常强。

Mtime：拍摄《解密》是你第一次与陈思诚导演合作，感受怎么样？

曹郁：因为之前我也不知道他到底是什么样的，因为我只看过他的《唐人街探案》系列，它跟这个电影其实相差很远。那么我合作下来以后，我觉得还挺惊喜的，我们很有默契，而且他也给了我很多让我感动的地方。

比如他的情感储备，对于这部戏的情感储备还是很足的。他有很多他自己的一种情感上的想象，但是他并不是落在很具体的东西上，说我希望这场是什么样的，或者很具体摄影要怎么拍，这个倒没有。

他实际上是让我充分地发挥了，他只是在陈述他的想法，聊起这个故事的时候，聊起每个细节的时候，你会感到他有很强烈的情感，这个对于我这种类型的摄影师特别重要。我其实更多地跟合作愉快的，合作成果特别好的导演，比如管虎或者陈凯歌导演，都是在于情感上的一种沟通。

而不是说 你具体非要告诉我说要用一个镜头这样移过来，当然我们也会有这种，但我需要的不是这个，他要求我，或者他期望从我这得到的也不是这个。

我们有很多灵感，相互的灵感。比如举个例子，最早我们拍那个，电影刚开始时候，奥斯兰德，就那个外国人，他要给他写信，最早剧本上写着，他在一个什么样的破屋子里边，因为生活很落魄了，那么我也确实都完成了，打完光了，能看见那个屋子。后来他拍了一会，他就问我，他说有没有可能我们看不见这个背景呢？那我说当然是可以了，就像伦勃朗那种风格，他说可以啊。

然后我说为什么要看不见呢？因为你剧本里提示了，他的生活很落魄，美术也很用心，把那景都搭好了。然后他坐着想半天，他说我就想要特强烈，我这下就明白了，他其实希望建构的。

虽然剧本上提示很多，有场景描写，美术也做了，但实际上他想要的是心里的记忆空间，记忆时空里边的感受，一种意识流的东西，他不需要真实，所以这是他第一次给我的一个提示。

因为那是我们第一天还是第二天拍的，然后我们还是特别共鸣的点。就在电影里面正片开始 ，船进去，第二个镜头是一个倒影，然后那个船只拍了倒影，这样就是吴彦祖坐在船上，其实在看信，只是一个倒影，那个是我在现场找到的。

我突然发现，这个镜头里只拍倒影就行了，而且我们很幸运，在我们拍的时候，有个鸟正好飞过去了，那个鸟并不是CG做的，因为CG做不了，那个太复杂，水波纹在动，特别实。而且那鸟飞的位置特别合适，正好是从构图的那个角度飞过去，他看着特别激动。

就是从这两个镜头开始，我们俩就达成了一种默契，它必须是主观化的、诗意化的。虽然这个在我们开会的时候，都提到很多次了，但到底怎么主观，到底到什么程度算主观呢，这个度必须是真的拍出来才知道。

其实我们很多时候在现场，不光灯光是即兴的，我们的镜头运动其实很复杂，但也都是即兴的。实际上这个即兴 是我们俩人共同去完成的，因为它必须有演员的调度等等，所以这是俩人一块设计的。那么跟我们原始的分镜头稿，画出来的就有很大的变化，所以像这些都让人觉得很振奋的。

因为我们这个戏很复杂，但是实际上是我少有的，拍摄这么大的大片，工作时间特别短的，每天就拍六七个小时就完了，非常顺利。因为大家的思想高度统一在一起，而且没有互相限制，而是互相激发。

所以你就觉得这个电影，它虽然技术上很精密，但它还是挺灵动，它不是很死板，一看就是每个人都特较劲，就是特别痛苦地要顶上那个感觉拍出来的。它好像很自然地流露出来，这个确实是，只有跟导演合作到一定程度才能够产生化学反应，否则的话是拍不出来的。

Mtime：《解密》是全程用IMAX摄影机拍摄的，IMAX摄影机具体为摄影创作提供了哪些优势？

曹郁：其实IMAX认证摄影机有好几款，我们用的是最早IMAX要求最高的那款摄影机，也是《八佰》用的那款，它叫Alexa。就是全球只租不卖的一款摄影机，极为罕见，非常昂贵。

那么为什么要用这个摄影机呢，是因为它的传感器是所有的摄影机里面最大的，那是什么意思呢，它是毫米胶片宽度的传感器，也就是《阿拉伯的劳伦斯》 《瑞安的女儿》，包括《日瓦格医生》，包括《奥本海默》的对白部分，用的都是毫米胶片。

那么它是最宽的，意味着不仅仅是所谓最清晰，色彩表现最好，层次最多，更重要的是它的透视是一种特别真实的一种感觉，是一种既真实又很大片的，或者说既真实又拔高的一个感觉。

它不是普通摄影机所能达到的，它的透视的感觉是能够达到人眼的距离感，一般摄影机是很难拍出来。比如我离你的距离是什么样的，你的体积感和我的体积感用眼睛看起来是什么样的，只有这个摄影机是能拍到的。而且这个摄影机还有一个优点，它是用广角镜头拍的，它不会变形，所以我们可以离人非常近。

因为广角镜头离人近的话，它会带给观众一种下意识的情感的一个冲击力。摄影机离你近拍的特写，和我在这头来个长焦镜头拍你特写，虽然可能景别，像我们术语叫景别都是一样的，比如上面都卡到这，下面都卡到这，观众感受是完全不一样的。

当然背景也会差很多，广角镜头能带到很多背景，所以就更像大片，因为你的信息量很大，那么长焦镜头背景就全是虚的了。但更重要的是这种心理感受，就是你看到这种它既不变形又很靠近的时候，你拥有强烈的代入感。

它的感觉要再形象点说，比如我现在离你有两三米的距离，我认真地看着你说，就相当于一个特写镜头，但咱俩客观距离是很安全的。那IMAX的这种摄影机拍出来感觉，就像我趴在你边上看着你，就这么近这样盯着你的感觉，那个感觉肯定是心里差别很大，观众是下意识地能感觉到了。

因为我们这次拍的是一个人的命运的史诗，他不像《八佰》有真正的一个大场面，就更需要让观众感受到人的这个力量，主角跟观众之间的互动需要更加强调，否则就会平淡了。

这个其实就跟《奥本海默》的思路一样，它用IMAX摄影机拍了一大堆特写，它那个透视就更夸张，就是会更有贴近感，你会觉得这个人物在银幕上似乎更大，但其实它这个尺寸就取了这么大。同样是比如从这到这，你就会觉得它好像离我更近，这就是这种摄影机产生的一种效果。

Mtime：AI技术在影视领域的应用是当下的热门话题，《解密》的创作过程有没有运用到AI技术？

曹郁：我们后期用了一种AI形成的胶片颗粒，它作为一个软件的插件，被搁到我们正常的调光软件里。为什么要用这个东西呢，因为我们原计划是像《沙丘》第一集一样，因为我们数字是IMAX这种，它要把这个文件拿到美国去过一遍，把它打印在胶片上，然后再扫描回来，这样等于把胶片的一些色彩和一些颗粒感加到了我们的画面里。

这个是以前技术做不到的，做完了会很呆板，就很假。我们这次在英国和美国都做了测试以后，我觉得因为《解密》的类型包括它的各种光线的条件不一样，我觉得效果不是很理想。

所以后来正好有人给我介绍这个。它也是一个美国的公司，它是用AI 先取样以后，然后生成的胶片的颗粒，它可以根据不同的场景，不同的亮度，或者甚至于每个镜头的局部来调整增加的比例，你会现在看到的感受就是它确实是国产电影里面最有立体感。

它并不是最有颗粒感，你看不出来颗粒感，或者只能看到一点点，它形成的感受是特别立体，就特别的生动，反正我感觉在目前最近这一段，还没有人能做到这个程度，这个当然不仅仅是因为颗粒，但颗粒确实起了一定的作用。

前期我们的AI里面其实有些帮助美术生成过一些概念图，但是都没有直接能够用的，但是它提供了一些想法，其实就这两个部分

编辑：羊羊